安格尔泉油画全图(安格尔泉)

人体油画巅峰之作——安格尔的《泉》

今天来欣赏一幅人体油画的巅峰之作，安格尔的《泉》。

画面中描绘的是一个手持瓦罐洗澡的裸体少女。

在深色的背景下，少女左肩持罐，水流从指缝轻轻划过，缓缓地流向地面。

她那充满童稚的双眼如同泉水般宁静、清亮；

右腿微曲，右脚点地，整个身体呈现出S型曲线，给人一种平衡的的舒适感。

在她柔嫩的脚下是质感坚硬的青灰色岩石，周围零星地点缀着几朵小花，使氛围更加静谧祥和。

为了画出自己心中理想女性的形态，安格尔用了整整26年时间才完成这一世界名作。

据说这幅作品一经展出，就引起了极大的轰动。整个欧洲贵族们争相购买，最后只能通过抓阄的方式来确定买主。

关注我，带你了解更多艺术知识。

人体油画巅峰之作——安格尔的《泉》

今天来欣赏一幅人体油画的巅峰之作，安格尔的《泉》。

画面中描绘的是一个手持瓦罐洗澡的裸体少女。

在深色的背景下，少女左肩持罐，水流从指缝轻轻划过，缓缓地流向地面。

她那充满童稚的双眼如同泉水般宁静、清亮；

右腿微曲，右脚点地，整个身体呈现出S型曲线，给人一种平衡的的舒适感。

在她柔嫩的脚下是质感坚硬的青灰色岩石，周围零星地点缀着几朵小花，使氛围更加静谧祥和。

为了画出自己心中理想女性的形态，安格尔用了整整26年时间才完成这一世界名作。

据说这幅作品一经展出，就引起了极大的轰动。整个欧洲贵族们争相购买，最后只能通过抓阄的方式来确定买主。

关注我，带你了解更多艺术知识。

安格尔成就最高的人体画：《泉》

让·奥古斯特·多米尼克·安格尔（Jean-Auguste-Dominique ingres，1780—1867）法国画家。

自小父亲就培养他对艺术的兴趣，那时，他非常热衷追求原始主义。由于他用功、认真，17岁的安格尔已经是一个很好的画家了。当时，大卫正担任拿破仑的首席画师。

1834—1841年，他再度赴罗马，深刻地研究了文艺复兴时期意大利古典大师们的作品，尤其推崇拉斐尔·桑西。经过达维特和意大利古典传统的教育，安格尔对古典法则的理解更为深刻，当达维特流亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡。

让·奥古斯特·多米尼克·安格尔

作为19世纪新古典主义的代表，安格尔代表着保守的学院派，与当时新兴的浪漫主义画派对立，形成尖锐的学派斗争。

安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。

他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风，画法工致，重视线条造型，尤其擅长肖像画。

在具体技巧上，“务求线条干净和造型平整”，因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅，这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中，如《泉》、《大宫女》、《瓦平松的浴女》、《土耳其浴室》等。

安格尔曾说过：“艺术发展早期阶段的那种未经琢磨的艺术，就其基础而论，有时比臻于完美的艺术更美。”那时他被中世纪的艺术所深深吸引。

安格尔的声誉如日中天时，也正是古典主义面临终结，浪漫主义崛起的时代，他和新生的浪漫主义代表人德拉克罗瓦之间发生许多次辩论。

浪漫主义强调色彩的运用，古典主义则强调轮廓的完整和构图的严谨，安格尔把持的美术学院对新生的各种画风嗤之以鼻，形成学院派风格。

作 者：让·奥古斯特·多米尼克·安格尔 - Jean·Auguste·Dominique ingres

作品名称：泉 - la source

作品尺寸：163 x 80 cm

作品年代：1856 年

作品材质：布面油画

现收藏于：巴黎奥塞美术馆

画作《泉》是画家安格尔在1856年创作完的一幅油画。

这幅油画是安格尔裸女形象中最负盛名的一幅，安格尔花了30余年心血于晚年才完成的一幅杰作。他从1824年开始绘制，至1856年才最终完成，传说安格尔的助手也参与了这幅油画的绘制。

油画《泉》描绘了一位手举水罐的裸体少女，她以古典的歇站式姿态立于泉水边，右手弯在头上，左手托着一只大水罐，泉水正从罐中流出，既寓意少女的纯洁清灵，又使画面保持和谐流畅的韵律。

背景饰有岩石和树叶，脚下的淡黄色花草颇有装饰味。少女身材匀称，肌肤细腻光洁，散发出一股青春的魅力。她身体微微摆动，头、肩、髋的起伏形成了波浪式的节奏感。

少女有一张容貌端庄秀丽，表情平静纯真的脸，毫无矫揉造作和媚态。画家致力于单纯的探求，整个画面显得圣洁完美而典雅。可以说这幅画是安格尔古典理想美的集中体现，不失为一幅古典人体佳作。

安格尔笔下的这个少女纯洁，典雅、恬静、健康、美丽、充满生命的活力和青春的朝气。画面左下角那朵含苞未放的雏菊下是她的象征。

从这幅油画里，人们感到的是一个宁谧、幽静的抒情诗般的境界，心灵得到慰藉，感情得到升华的崇高境界。

当时，这幅画引起了人们极大的兴趣。争相抢购当时有五个卖主争执不休，后来被杜夏特尔伯爵买去，后赠给卢佛尔博物馆。

安格尔一生追求和表现理想美，十分迷恋于描绘女性人体，在他的笔下，每个人体都画得圆润细腻，健康柔美。

他严谨的素描功力充分发挥了线条的表现作用，把人物的形体动态刻画得极其准确、简洁而概括。安格尔反复探索完美的艺术形式，视拉斐尔为典范，以温文典雅为理想，迷醉于希腊雕刻。

在他的美学主张中强调以永恒美和自然为基础，他心目中的自然是理性的、理想的、非现实的、无内容的纯形式美。

他创造的理想美典范就是在中国流传最广的《泉》。

《泉》中少女的造型在整体上是遵循古希腊雕刻的原则，但更为细腻微妙。

左边以高举手臂的转折处为顶点，身躯的轮廓是一根略有变化的倾斜线，它宛若一缕缓缓飘落的轻纱；右边则复杂多了，不仅水罐与抬起的手臂组成圆和三角的几何结构，胸部和腹部的转折起落也形成波浪式的曲线，这正好与左边的单纯与宁静形成对比。

画家严格遵守比例、对称的原则，我们仔细观察就可以看到，少女的体形姿态遵循古希腊普拉特西克列斯发现创造的S形曲线美。

《泉》是安格尔一生追求的美神，也是他一贯倡导的“要拜倒在美前去研究美”的典范。

西方一位评论家说：“这位少女是画家衰老的产儿，她的美姿却超过了所有女子，她集中了她们各自的美于一身，形象富有生气和更理想化了。”的确像画中如此完美的女子在现实生活中是没有的。

在这幅《泉》中，安格尔把他心中长期积淀的古典美与写实的现实美完美地结合了起来。

这幅画的奥秘在于画家表现了人体姿态从不平衡向平衡的变化，抓住了人体内部力的微妙关系，即左倾斜的双肩和向右倾斜的胯部、向上的用力和向下倾倒的水罐，前趋的右膝和后绷的左腿都体现了力而打破了平衡。

在她身体的这种曲线运动中，展示出一种类似水波的曲线，这种身体的曲线使得那从水罐里流出来的直线形水柱相形见拙，通过这些形式，使这位恬静的少女比那股流出来的水柱更加具有活力。

头顶上的绿叶，脚下明净如鉴的潭泉，幽静的山都增加了这幅画的意境。从这幅画里,人们感到的是一个宁谧,幽静的抒情诗般的境界,心灵得到慰藉,感情得到升华的崇高境界。

《泉》使人联想到山泉，联想到生命的源泉，联想到少女的纯洁……《泉》把古典美和女性人体的美巧妙地结合在一起。出色地表现了少女的天真的青春活力。

有一位评论家参观了《泉》后说：“这位少女是画家衰年艺术的产儿，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生气也更理想化了 。

关于《泉》是有个故事的，后来有人让模特摆一模一样的姿势，拿个一样的水罐，发现右臂是够不着的。说明画家在画这幅画的时候，有意将右臂加长了。这并不影响她的美丽！

安格尔成就最高的人体画：《泉》

让·奥古斯特·多米尼克·安格尔（Jean-Auguste-Dominique ingres，1780—1867）法国画家。

自小父亲就培养他对艺术的兴趣，那时，他非常热衷追求原始主义。由于他用功、认真，17岁的安格尔已经是一个很好的画家了。当时，大卫正担任拿破仑的首席画师。

1834—1841年，他再度赴罗马，深刻地研究了文艺复兴时期意大利古典大师们的作品，尤其推崇拉斐尔·桑西。经过达维特和意大利古典传统的教育，安格尔对古典法则的理解更为深刻，当达维特流亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡。

让·奥古斯特·多米尼克·安格尔

作为19世纪新古典主义的代表，安格尔代表着保守的学院派，与当时新兴的浪漫主义画派对立，形成尖锐的学派斗争。

安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。

他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风，画法工致，重视线条造型，尤其擅长肖像画。

在具体技巧上，“务求线条干净和造型平整”，因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅，这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中，如《泉》、《大宫女》、《瓦平松的浴女》、《土耳其浴室》等。

安格尔曾说过：“艺术发展早期阶段的那种未经琢磨的艺术，就其基础而论，有时比臻于完美的艺术更美。”那时他被中世纪的艺术所深深吸引。

安格尔的声誉如日中天时，也正是古典主义面临终结，浪漫主义崛起的时代，他和新生的浪漫主义代表人德拉克罗瓦之间发生许多次辩论。

浪漫主义强调色彩的运用，古典主义则强调轮廓的完整和构图的严谨，安格尔把持的美术学院对新生的各种画风嗤之以鼻，形成学院派风格。

作 者：让·奥古斯特·多米尼克·安格尔 - Jean·Auguste·Dominique ingres

作品名称：泉 - la source

作品尺寸：163 x 80 cm

作品年代：1856 年

作品材质：布面油画

现收藏于：巴黎奥塞美术馆

画作《泉》是画家安格尔在1856年创作完的一幅油画。

这幅油画是安格尔裸女形象中最负盛名的一幅，安格尔花了30余年心血于晚年才完成的一幅杰作。他从1824年开始绘制，至1856年才最终完成，传说安格尔的助手也参与了这幅油画的绘制。

油画《泉》描绘了一位手举水罐的裸体少女，她以古典的歇站式姿态立于泉水边，右手弯在头上，左手托着一只大水罐，泉水正从罐中流出，既寓意少女的纯洁清灵，又使画面保持和谐流畅的韵律。

背景饰有岩石和树叶，脚下的淡黄色花草颇有装饰味。少女身材匀称，肌肤细腻光洁，散发出一股青春的魅力。她身体微微摆动，头、肩、髋的起伏形成了波浪式的节奏感。

少女有一张容貌端庄秀丽，表情平静纯真的脸，毫无矫揉造作和媚态。画家致力于单纯的探求，整个画面显得圣洁完美而典雅。可以说这幅画是安格尔古典理想美的集中体现，不失为一幅古典人体佳作。

安格尔笔下的这个少女纯洁，典雅、恬静、健康、美丽、充满生命的活力和青春的朝气。画面左下角那朵含苞未放的雏菊下是她的象征。

从这幅油画里，人们感到的是一个宁谧、幽静的抒情诗般的境界，心灵得到慰藉，感情得到升华的崇高境界。

当时，这幅画引起了人们极大的兴趣。争相抢购当时有五个卖主争执不休，后来被杜夏特尔伯爵买去，后赠给卢佛尔博物馆。

安格尔一生追求和表现理想美，十分迷恋于描绘女性人体，在他的笔下，每个人体都画得圆润细腻，健康柔美。

他严谨的素描功力充分发挥了线条的表现作用，把人物的形体动态刻画得极其准确、简洁而概括。安格尔反复探索完美的艺术形式，视拉斐尔为典范，以温文典雅为理想，迷醉于希腊雕刻。

在他的美学主张中强调以永恒美和自然为基础，他心目中的自然是理性的、理想的、非现实的、无内容的纯形式美。

他创造的理想美典范就是在中国流传最广的《泉》。

《泉》中少女的造型在整体上是遵循古希腊雕刻的原则，但更为细腻微妙。

左边以高举手臂的转折处为顶点，身躯的轮廓是一根略有变化的倾斜线，它宛若一缕缓缓飘落的轻纱；右边则复杂多了，不仅水罐与抬起的手臂组成圆和三角的几何结构，胸部和腹部的转折起落也形成波浪式的曲线，这正好与左边的单纯与宁静形成对比。

画家严格遵守比例、对称的原则，我们仔细观察就可以看到，少女的体形姿态遵循古希腊普拉特西克列斯发现创造的S形曲线美。

《泉》是安格尔一生追求的美神，也是他一贯倡导的“要拜倒在美前去研究美”的典范。

西方一位评论家说：“这位少女是画家衰老的产儿，她的美姿却超过了所有女子，她集中了她们各自的美于一身，形象富有生气和更理想化了。”的确像画中如此完美的女子在现实生活中是没有的。

在这幅《泉》中，安格尔把他心中长期积淀的古典美与写实的现实美完美地结合了起来。

这幅画的奥秘在于画家表现了人体姿态从不平衡向平衡的变化，抓住了人体内部力的微妙关系，即左倾斜的双肩和向右倾斜的胯部、向上的用力和向下倾倒的水罐，前趋的右膝和后绷的左腿都体现了力而打破了平衡。

在她身体的这种曲线运动中，展示出一种类似水波的曲线，这种身体的曲线使得那从水罐里流出来的直线形水柱相形见拙，通过这些形式，使这位恬静的少女比那股流出来的水柱更加具有活力。

头顶上的绿叶，脚下明净如鉴的潭泉，幽静的山都增加了这幅画的意境。从这幅画里,人们感到的是一个宁谧,幽静的抒情诗般的境界,心灵得到慰藉,感情得到升华的崇高境界。

《泉》使人联想到山泉，联想到生命的源泉，联想到少女的纯洁……《泉》把古典美和女性人体的美巧妙地结合在一起。出色地表现了少女的天真的青春活力。

有一位评论家参观了《泉》后说：“这位少女是画家衰年艺术的产儿，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生气也更理想化了 。

关于《泉》是有个故事的，后来有人让模特摆一模一样的姿势，拿个一样的水罐，发现右臂是够不着的。说明画家在画这幅画的时候，有意将右臂加长了。这并不影响她的美丽！

学赏画（5）：热衷追求原始主义的法国画家Jean安格尔作品赏析

自画像

安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres，1780年8月29日—1867年1月14日），法国画家。安格尔自小父亲就培养他对艺术的兴趣，那时，他非常热衷追求原始主义。经过达维特和意大利古典传统的教育，安格尔对古典法则的理解更为深刻，当达维特流亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡。

德·桑奥内夫人

作为19世纪新古典主义的代表，灵感家安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。在具体技巧上，“务求线条干净和造型平整”。因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅，这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中，如《泉》、《大宫女》、《瓦平松的浴女》、《土耳其浴室》等。

（以上介绍的安格尔代表作，在后期有详细解读）

画家查尔斯戴维宁，罗马法国科学院主管

安格尔愿意把自己称为历史画家，这是因为自17世纪“法兰西皇家绘画雕刻学院”成立以来，传统的古典主义信徒一直把历史画视为最高的等级（第一等级为历史画、神话宗教画；第二等级为风俗画、肖像画；第三等级为风景画、静物画），但是，从美术史的角度来看，安格尔最出色的是肖像画和人体画，可是如果把他的肖像画和人体画再加以比较，就会发现他成就最高的是女人体画。

配图 坐在桌子旁的皮埃尔·纪尧姆·卡佐半身像

这次我们来一起解读安格尔作品永恒的美——《泉》

泉 油画 法国 安格尔作品赏析 1856 卢浮尔美术馆藏

《泉》创作于1856年，安格尔此时已76岁高龄。但实际上这幅画早在1820年他就开始酝酿了，安格尔用了36年的时间来构思他心中“永恒的美”。向上的手臂、微倾的腰身、半曲的纤腿……所有这一切构成了身体的全部曲线，这种曲线极富节奏感，与线形的泉水形成了鲜明的对比，愈发显出少女身体的曼妙与美感。在这里，裸女的全部曲线成为了画作的主体，人们的视线完全被曲线掌控，我们不仅注视着它们，似乎完全被它们包围，我们也在触摸着它们。整个画面如同完美的乐章，如同顺着飞泻的清泉流动的韵律，舒缓的音符从少女光滑的手臂上轻轻流下，在动人的线条中回环往复，再隐入到地面飞溅的水花中。

配图 圣母

《泉》完美地体现了安格尔终身追求的“永恒的美”，通过线条、形体、色调塑造出一种和谐的女性美。安格尔把他心中长期积聚的抽象出来的古典美与具体的写实少女的美相结合，找到了完美统一的形式。他在这幅画上展示了可以得到人类普遍赞美的美的恬静、抒情和纯洁性。少女的裸体健康、自然、饱满，整个构图严谨、单纯，充满真实感，富于女性魅力。安格尔为了营造出少女整体曲线的美感与节奏感，创造了一个人世间根本不可能有的少女。有评论家这样评价《泉》：“这位少女是画家晚年艺术的产物，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生气也更理想化了。”

配图 查尔斯·罗伯特·科克雷尔

安格尔曾经说过：“我的创作在很久以前就只追慕一种范本，即产生于那个光辉时代的古典艺术及其杰出的艺术大师们，拉斐尔为这一时代建立了一个永恒不变的艺术美的领域。我感到一种我确实在用自己的绘画证明我倾全力模仿他们的倾向，并继续走他们所开创的那条艺术道路。”尽管安格尔一直恪守古典主义传统，但他的不少作品中也表现出浪漫主义手法。或许正是这一点，才使安格尔保持了自己创作的独立性。泰奥菲尔评价安格尔时说到：“安格尔先生最伟大的贡献在于他把从古希腊到文艺复兴时期的火矩抓在手里，并且不让它熄火，虽然有许多嘴想吹熄这个火。应当说，他确实用心良苦。”

安格尔一生中在裸体素描上下过精深的功夫，而且只有当他面对裸体模特儿时，他的现实主义真知灼见才特殊地显现出来。他曾说：“标准的美——这是对美的模特儿不间断观察的产物”，还认为：“一幅画的表现力取决于作者的丰富的素描知识；撇开绝对的准确性，就不可能有生动的表现。掌握大概的准确，就等于失去准确。那样，无异于在创造一种本来他们就毫无感受的虚构人物和虚伪的感情。” 这位古典主义绘画的末代风流画家，吸收文艺复兴时期前辈大师的求实的技巧，使自己的素描技巧发挥到炉火纯青的境地。这里所不同的只是，象马萨卓、米开朗基罗、乔尔乔奈等大师的裸女体现的是一种充满人性的时代理想，而安格尔在裸女上所寄予的理想，则是“永恒的美”这一抽象概念。究其实，乃在于寻求以线条、形体、色调相谐和的女性美的表现力。这在他那些描写土耳其宫女的裸女画上尤为明显。晚年，安格尔画了这一幅《泉》，则进一步反映了画家对美的一种全新观念，那就是他深深觉得用精细的造型手段创造一种抽象的古典美典范的必要性。７６岁高龄的安格尔，终于在这一幅《泉》上，把他心中长期积聚的抽象出来的古典美与具体的写实少女的美，找到了完美结合的形式。

配图 面向左边的半身像

安格尔从1830年在意大利佛罗伦萨逗留期间就开始创作“泉”，但一直没有完稿。二十六年以后，当他已是七十六岁高龄时才画完此画。这幅画是安格尔的得意之作。“泉”把古典美和女性人体的美巧妙地结合在一起。出色地表现了少女的天真的青春活力。“泉”也是西欧美术史上描写女性人体的优秀作品之一。由此可见，安格尔的造型力纯粹是对现实的一种感性的占有，在他的构图创作中，只有当他的可能拜倒于女人面前时，他才创造了真正的艺术作品。

配图 亨利四世接见西班牙大使

他在这幅画上展示了可以得到人类普遍赞美的美的恬静、抒情和纯洁性。《泉》大概在意大利佛罗伦萨时就开始酝酿了，那是在１８２０年的事，为什么事隔３６年后才最终完成此稿呢？这还得从他的学生保罗巴尔泽和亚历山大德戈弗两人说起。最初在安格尔心中构思的“泉”，是仿效意大利大师们在画维纳斯时的愿望，他早在１８０７年就画过一些草图，后来不满足前人已画过的“维纳斯”样式，企图使形象更单纯化。有人认为这幅画最初是由上述两个学生协助完成的。安格尔经常在同一主题或构思中进行复制，有时花上几年甚至几十年工夫。

配图 男子

１８５７年，《泉》被迪麦泰尔伯爵收购，成为私人藏画品。后根据这位伯爵的遗嘱，他的家属于１８７８年将此画赠给国家，终于成为巴黎卢浮宫内又一镇馆之宝。

勒布朗先生

安格尔成就最高的人体画：《泉》

让·奥古斯特·多米尼克·安格尔（Jean-Auguste-Dominique ingres，1780—1867）法国画家。

自小父亲就培养他对艺术的兴趣，那时，他非常热衷追求原始主义。由于他用功、认真，17岁的安格尔已经是一个很好的画家了。当时，大卫正担任拿破仑的首席画师。

1834—1841年，他再度赴罗马，深刻地研究了文艺复兴时期意大利古典大师们的作品，尤其推崇拉斐尔·桑西。经过达维特和意大利古典传统的教育，安格尔对古典法则的理解更为深刻，当达维特流亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡。

让·奥古斯特·多米尼克·安格尔

作为19世纪新古典主义的代表，安格尔代表着保守的学院派，与当时新兴的浪漫主义画派对立，形成尖锐的学派斗争。

安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。

他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风，画法工致，重视线条造型，尤其擅长肖像画。

在具体技巧上，“务求线条干净和造型平整”，因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅，这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中，如《泉》、《大宫女》、《瓦平松的浴女》、《土耳其浴室》等。

安格尔曾说过：“艺术发展早期阶段的那种未经琢磨的艺术，就其基础而论，有时比臻于完美的艺术更美。”那时他被中世纪的艺术所深深吸引。

安格尔的声誉如日中天时，也正是古典主义面临终结，浪漫主义崛起的时代，他和新生的浪漫主义代表人德拉克罗瓦之间发生许多次辩论。

浪漫主义强调色彩的运用，古典主义则强调轮廓的完整和构图的严谨，安格尔把持的美术学院对新生的各种画风嗤之以鼻，形成学院派风格。

作 者：让·奥古斯特·多米尼克·安格尔 - Jean·Auguste·Dominique ingres

作品名称：泉 - la source

作品尺寸：163 x 80 cm

作品年代：1856 年

作品材质：布面油画

现收藏于：巴黎奥塞美术馆

画作《泉》是画家安格尔在1856年创作完的一幅油画。

这幅油画是安格尔裸女形象中最负盛名的一幅，安格尔花了30余年心血于晚年才完成的一幅杰作。他从1824年开始绘制，至1856年才最终完成，传说安格尔的助手也参与了这幅油画的绘制。

油画《泉》描绘了一位手举水罐的裸体少女，她以古典的歇站式姿态立于泉水边，右手弯在头上，左手托着一只大水罐，泉水正从罐中流出，既寓意少女的纯洁清灵，又使画面保持和谐流畅的韵律。

背景饰有岩石和树叶，脚下的淡黄色花草颇有装饰味。少女身材匀称，肌肤细腻光洁，散发出一股青春的魅力。她身体微微摆动，头、肩、髋的起伏形成了波浪式的节奏感。

少女有一张容貌端庄秀丽，表情平静纯真的脸，毫无矫揉造作和媚态。画家致力于单纯的探求，整个画面显得圣洁完美而典雅。可以说这幅画是安格尔古典理想美的集中体现，不失为一幅古典人体佳作。

安格尔笔下的这个少女纯洁，典雅、恬静、健康、美丽、充满生命的活力和青春的朝气。画面左下角那朵含苞未放的雏菊下是她的象征。

从这幅油画里，人们感到的是一个宁谧、幽静的抒情诗般的境界，心灵得到慰藉，感情得到升华的崇高境界。

当时，这幅画引起了人们极大的兴趣。争相抢购当时有五个卖主争执不休，后来被杜夏特尔伯爵买去，后赠给卢佛尔博物馆。

安格尔一生追求和表现理想美，十分迷恋于描绘女性人体，在他的笔下，每个人体都画得圆润细腻，健康柔美。

他严谨的素描功力充分发挥了线条的表现作用，把人物的形体动态刻画得极其准确、简洁而概括。安格尔反复探索完美的艺术形式，视拉斐尔为典范，以温文典雅为理想，迷醉于希腊雕刻。

在他的美学主张中强调以永恒美和自然为基础，他心目中的自然是理性的、理想的、非现实的、无内容的纯形式美。

他创造的理想美典范就是在中国流传最广的《泉》。

《泉》中少女的造型在整体上是遵循古希腊雕刻的原则，但更为细腻微妙。

左边以高举手臂的转折处为顶点，身躯的轮廓是一根略有变化的倾斜线，它宛若一缕缓缓飘落的轻纱；右边则复杂多了，不仅水罐与抬起的手臂组成圆和三角的几何结构，胸部和腹部的转折起落也形成波浪式的曲线，这正好与左边的单纯与宁静形成对比。

画家严格遵守比例、对称的原则，我们仔细观察就可以看到，少女的体形姿态遵循古希腊普拉特西克列斯发现创造的S形曲线美。

《泉》是安格尔一生追求的美神，也是他一贯倡导的“要拜倒在美前去研究美”的典范。

西方一位评论家说：“这位少女是画家衰老的产儿，她的美姿却超过了所有女子，她集中了她们各自的美于一身，形象富有生气和更理想化了。”的确像画中如此完美的女子在现实生活中是没有的。

在这幅《泉》中，安格尔把他心中长期积淀的古典美与写实的现实美完美地结合了起来。

这幅画的奥秘在于画家表现了人体姿态从不平衡向平衡的变化，抓住了人体内部力的微妙关系，即左倾斜的双肩和向右倾斜的胯部、向上的用力和向下倾倒的水罐，前趋的右膝和后绷的左腿都体现了力而打破了平衡。

在她身体的这种曲线运动中，展示出一种类似水波的曲线，这种身体的曲线使得那从水罐里流出来的直线形水柱相形见拙，通过这些形式，使这位恬静的少女比那股流出来的水柱更加具有活力。

头顶上的绿叶，脚下明净如鉴的潭泉，幽静的山都增加了这幅画的意境。从这幅画里,人们感到的是一个宁谧,幽静的抒情诗般的境界,心灵得到慰藉,感情得到升华的崇高境界。

《泉》使人联想到山泉，联想到生命的源泉，联想到少女的纯洁……《泉》把古典美和女性人体的美巧妙地结合在一起。出色地表现了少女的天真的青春活力。

有一位评论家参观了《泉》后说：“这位少女是画家衰年艺术的产儿，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生气也更理想化了 。

关于《泉》是有个故事的，后来有人让模特摆一模一样的姿势，拿个一样的水罐，发现右臂是够不着的。说明画家在画这幅画的时候，有意将右臂加长了。这并不影响她的美丽！

美强惨安格尔：为何画中女人如此完美，你却说她毫无灵魂？

文 |@art张小玉《艺术问小玉》系列！

作为新古典主义画家，安格尔画美好的东西一绝。

优美的线条，精致的色彩，画面上的每一笔好像都力求完美。

在他的画中，你甚至找不到一丝疲惫和倦怠，每一物每一人都是那样的精准和清晰。有时候你都会觉得怎么可以画得这么好，那些用颜料堆砌、人手绘制出来的东西，明明是现实生活中的，却精致的好像超出了庸常的现实。

当然，他画得最好的还是女人。

比如他的浴女系列。

这些画中的女人体态纤长、皮肤滑腻，轮廓是那样的流畅，身体的每一寸关节每一寸骨肉都恰到好处，头发丝都真实到无以复加。

安格尔《泉》，1856年

安格尔的《泉》，应该算达到了艺术理想美的又一次巅峰，不然六十多年后，杜尚也不会拿着起名同为《泉》的那个男性小便池，把艺术的边界问题搞得声势浩大。

杜尚《泉》，1917年

但是，这种过分理想的美，又存在什么问题呢？

新古典主义画中的这些美人，是“金星美学”的代表。金星美学的最大特点，是追求和谐理想美和平衡性。

雕塑版《泉》，作品by宝工坊，侵删

安格尔《泉》是画家七十多岁时候画完的，是象征“清高绝俗和庄严肃穆的美” 的最杰出的作品，实现了人体美与古典美的完美结合，展示了人类普遍赞美的恬静美、抒情美和纯洁美。

画中少女堪称永恒无暇，即使身体袒LU，却让人觉得她如泉水一般圣洁。

这件用玉雕刻的《泉》也许更能传递出这种无暇圣洁的气质：选择纯白色的金华玉来诠释，质地细腻，干净无杂，抛光之后呈现出德化白瓷般的质感，十分漂亮。如此质感，让人不由想起少女那光滑柔嫩的肌肤。

但是，金星美学的一大问题，就是容易过度得甜过头，洛可可就是这类。而安格尔新古典主义，其实也由于那些完美的堆砌，变成了关于完美女性的“符号”，而失去了灵魂和精神。

可以说，安格尔画中很多女人，长相、气质甚至打扮，都好像是一模一样的。她们没有自己的身份和个性，她们只有一个共同的代名词：完美女人。

按照司汤达的说法：安格尔的作品是各种美的材料的堆砌，但就是缺少神性。因此，新古典主义画中的女性，像整容医院批量产出的美女，无神无色。

不然，安格尔不会继《泉》被杜尚恶搞致敬后，又一幅作品被当做了靶子——

安格尔《大宫女》，1814年

游击队女孩戏仿的《大宫女》-《大都会艺术馆里的女性必须是LUO体吗？》，1919年

上世纪80年代，美国第二次女性主义浪潮达到了鼎盛期。一群女性艺术家于1985年组建了游击队女孩（Guerrilla Girls）。1989年，她们将矛头指向了大都会艺术博物馆中那些大师级的作品。“女性必须LUO体才配进入大都会博物馆吗？”——伴随着这句著名的质问，她们把矛头直接指向了“当代艺术家中的女性不足5%，但是85%的艺术品中的LUO体都是女性。”这个事实，掀起了当代艺术史上一场著名运动。

而这次恶搞的对象，是安格尔的《大宫女》。

因此，安格尔成为了新古典主义运动的最后一个大师。要知道，这场如此美的运动，只他和他的师父两代人就过时了。轰轰烈烈的浪漫主义运动开始了，安格尔的画被抛在了时代的身后。

人们觉得，他的画好枯燥，理想到乏味了。

不过，从几百年后当代人的角度，来否定安格尔画里这种没有灵魂的美人，是一种不地道的偏见。追求极致的美，有什么错呢？

安格尔

也许，我们可以从另一个角度理解《泉》，以及所有安格尔倾注了完美的那些画中女孩：

对线条和细节的过分强调，一个必然的结果就是作品叙事性的丧失。而叙事性的丧失所带来的意义的抽象和疏离，正是安格尔想要的。

他就是想让艺术回到不问政治、对文人的聒噪不理不睬的自闭状态。在这个远离尘嚣的角落里，他能够全神贯注于一件事：表现女性DONG体之美。

也许对安格尔来说，画那种有个性（有缺陷）的女人，非不能也，实不愿也。

美，就够了。